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Biografía de Juan O´Gorman

Coyoacán, 1905 - 1982

Pintor mexicano. Contemplado en muchos estudios como el último representante de la estirpe de los grandes muralistas mexicanos, que florecieron en la primera mitad del siglo XX, pueden rastrearse en su estilo las huellas del arte de Diego Rivera, del que algunos críticos le consideran sucesor directo. Tal vez sea ésta una apreciación exagerada, pues, aunque es posible indiscutiblemente encontrar en la obra de O´Gorman algunas líneas referenciales, su pintura tiene, sin embargo, unas características personalísimas, un lenguaje propio en el que supo conciliar la minuciosidad del detalle con la más simbólica fantasía, para constituir una obra vasta y monumental.


Autorretrato (1950)

Resultado (como tantos otros representantes del arte y la cultura mexicanos) de la fusión de dos culturas, del frío y estricto espíritu británico por parte de su padre y de la apasionada sangre mexicana de su familia materna, Juan O´Gorman mostró, ya en sus primeros años, aptitudes excepcionales para el dibujo y la pintura, que se pusieron de relieve en el círculo de su padre, Cecil Crawford O´Gorman, quien muy pronto se sintió orgulloso de poder contar con un hijo que le sucediera dignamente en sus actividades como arquitecto. Procuró pues, a partir de entonces, potenciar las aptitudes artísticas de su hijo poniéndole en contacto con los creadores plásticos que formaban su círculo de amistades, algunos de ellos consagrados; sin embargo, éstos no parecen haber tenido excesiva influencia en los primeros pasos del muchacho por el mundo de las artes.

Tras sus estudios elementales y secundarios, O´Gorman se inscribió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde se graduó sin repetir ningún curso (1921-1925). Posteriormente, decidido a ampliar en lo posible los conocimientos técnicos que le parecían necesarios para su actividad profesional, optó por la ingeniería como complemento a su formación. La pintura llenaba sus momentos de ocio; la utilizaba sólo como un medio para relajarse, para olvidar las horas de concentración y de estudio. Pero lo que había empezado como una afición, como una actividad lúdica o suplementaria, fue interesándole más y más, fue exigiéndole un lugar de privilegio hasta convertirse, poco a poco, en su ocupación habitual. El arquitecto en ciernes comenzaba a mostrar los rasgos del futuro pintor.

Arquitectura y vanguardismo

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(Casablanca, 1914 - París, 1992) Pianista y compositor francés de origen español. Inició su formación musical en Barcelona (1927-1931) y posteriormente se trasladó a París, donde trabajó el piano con Lazare Lévy, y el contrapunto y la armonía con Daniel Lesur.

Su madre le introdujo en el "cante jondo" español. En 1944 se mudó a Roma, y allí se unió con el compositor Alfredo Casella. Fue en ese período cuando Ohana compuso sus primeras obras, como los tres Caprichos (1944-1948) para piano y Sonatina monódica (1945).

En 1946 regresó a París y participó en la creación del grupo Zodiaque, que defendía la libertad del lenguaje frente a lo que ellos llamaban "tiranías artísticas". En este contexto de espíritu de independencia creó una de sus obras más destacadas, Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1950), claramente influida por Manuel de Falla y por el "cante jondo" español.

El autor elaboró un lenguaje personal, marcado por un rechazo a todo intelectualismo y una fidelidad a la tradición española y a los ritmos africanos, que se expresa particularmente en Cantigas (1953-1954) y en Estudios coreográficos (1955), para percusión. Ohana nunca adoptó el método serial, por considerarlo excesivamente intelectual. La tumba de Claude Debussy, de 1962 (orquesta con soprano, cítara y piano) acoge los tercios de tono confiados a una cítara especialmente afinada.

Cifras, de 1965, es un amplio fresco en seis partes, que estuvo fuertemente influido por el clima sonoro posweberiano, así como también Synaxis (1965-1966), que merece una mención especial, no sólo porque esta pieza para dos pianos, percusión y orquesta vio cómo desaparecía la noción tonal-modal, sino sobre todo porque con ella manifestó un sentimiento muy original de la forma. La idea de la simetría no desempeñó ningún papel destacado sobre los elementos temáticos, pero sí sobre los aspectos evidentes del material sonoro: tesitura (sobreagudos, medianos, graves), aspectos determinados por el tempo y el carácter rítmico. Los timbres, las densidades y las agrupaciones armónicas constituyeron los modelos necesarios para la variación en el interior de estos aspectos primordiales.

Con Gritos (1968), para doce voces "a capella", estableció una nueva etapa de su actividad creativa. Esta partitura evoca, en su parte final, el recuerdo doloroso de los campos de la muerte en un estilo que no es superficialmente realista, tal y como había sucedido con otros compositores, sino funcionalmente musical. En 1973 compuso los 24 preludios, para piano, como homenaje a Chopin. A esta obra le siguieron otras como Diván del Tamarit, de 1976, para violonchelo y orquesta, inspirado por el poeta Federico García Lorca; Lys de madrigaux (1976) y Misa, de 1977, para soprano, mezzo-soprano y coro, que busca una reconciliación con la liturgia de los primeros tiempos cristianos.

A lo largo de su evolución musical se hacen patentes en su estilo ciertas constantes como una estructura reiterativa de las melodías, cierta inclinación hacia la modalidad y una amplia utilización de la percusión. La música de Maurice Ohana, de gran relieve sonoro, estuvo inspirada en la tradición ibérica y norteafricana, a la vez que fue combinada con ciertos elementos contemporáneos. Todo ello contribuyó a que fuera una música de una extraordinaria originalidad y profundidad

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